Des voix et des silences

Autrefois les voix voyageaient librement entre les êtres humains, comme des oiseaux migrateurs: on les appelait les Murmures …

Et je vous en propose … en mode spectacle vivant – avec notamment les 30 ans de la Theater Federatioun, aussi avec le Focus Spectacle vivant de Kultur | lx  (je vous explique juste ci-dessous) – et en mode plasticien – en l’occurrence avec Kaihō au Mudam, expo que j’avais annoncée dans mon précédent post… en oubliant de développer (oups !) et que je m’applique donc à faire plus bas.

Et dans la foulée, j’en profite pour vous signaler que c’est Julie Wagener qui a décroché le prestigieux Prix Werner 2026 lors de l’actuel Salon du CAL, pour sa capacité à «faire dialoguer mémoire individuelle et mémoire collective», à l’appui de trois peintures, A Singularity I, II et III (acrylique et fusain sur panneau de bois), consacrées aux maisons-modèles du paternalisme industriel luxembourgeois. Les maisons y sont coupées en deux comme des maquettes et flottent, hors de tout contexte, sur un fond rouge qui rappelle la terre ferrugineuse des mines et les luttes ouvrières.

Je vous signale aussi que lors de la LAW (Luxembourg Art Week), une 12^e édition qui se tiendra du 20 au 22 novembre sur le champ du Glacis (je dois encore m’attarder par le détail sur cette grand-messe dont tout le monde parle), un prix sera décerné le 19 novembre, ce, pour la première fois, et que parmi les 10 nominés, il y a Martine Feipel & Jean Béchamel (Zidoun-Bossuyt Gallery) et Vera Kox (Nadan).

Et prix encore avec Kultur | lx, soit: le Global Project Grant, créé en 2020 pour accompagner les musicien.ne.s issu.e.s d’une grande diversité d’esthétiques (pop, rock, électro, hip-hop, jazz, world, classique et contemporain) et qui, attribué chaque année, vise à soutenir le développement d’un projet artistique d’envergure; en l’occurrence, ils sont 3 lauréats, Catherine Lorent pour Figura Allegra, Cucina Povera pour du chant collectif et Trystero pour un film documentaire autour de la création d’un prochain album, conçu au cours d'une résidence itinérante à bord de l'Urban Boat.

Bon, pour cette semaine avant tout théâtrale, j’appelle d’abord les 30 ans de la Theater Federatioun célébrés ce vendredi 13 novembre (à partir de 17.45h) à la Banannefabrik (12 rue du Puits, Bonnevoie) et qui programme notamment à 18.00h une table ronde autour d’une question «Quelle fédération pour les arts de la scène de demain?», suivie à 19.30h, de la répétition publique de Murmures de Giovanni Zazzera, une performance inédite où les danseurs provoquent les sons par leur contact et dont on peut découvrir la pièce complète le lendemain.

Parce que oui, les festivités des 30 ans de la Fédération se poursuivent à la Banannefabrik le samedi 14 novembre, avec un panel de conférences, ateliers jeune public et spectacles, à savoir: Du Pain et des Jeux du Collectif Eddi van Tsui, une fable grinçante qui interroge nos rituels collectifs, de l’humour et du cynisme pour questionner ce que le sport (le foot en particulier) partage avec la religion: les dévotions, les superstitions, les sacrifices  – 2 représentations (20 minutes) à 15h.15h et à 18.00h, c’est gratuit et ouvert à toutes/tous –, et donc, Murmures de G. Zazzera à 19.00h (visuel ci-dessus), un dispositif sonore inédit où les danseur·ses rendent leurs mouvements audibles comme des prolongements du corps qui donnent voix aux murmures. Ainsi, dans ce monde devenu incapable d’écouter, Murmures explore ce qui se joue derrière nos silences: ces pensées retenues, ces désirs d’émancipation, ces résistances invisibles qui habitent les corps.

Et donc la Theater Federatioun a 30 ans ! Un sacré bail qui mérite un rétroviseur et une perspective.

En fait, parmi les facteurs qui ont provoqué la gestation de la fédération, il y a, en 1995, la création du TNL auquel un budget énorme est alloué. En vrai, «se mettre autour d’une table» est une idée qui remonte à 1990,  puis ça s’est endormi. Il a donc fallu la création d’un théâtre national boosté financièrement pour faire réagir les directeurs de théâtres comme Feitler, Noesen et Olinger, les faire (enfin) se rencontrer «afin que rien ne leur échappe» et du coup, s’organiser ensemble en asbl et monter quelques événements en commun – à l’exemple de «L’été théâtral», une belle aventure qui résiste de 1997 à 2005, s’essouffle, puis ressuscite sous la forme du Theaterfest en 2008, installé à l’abbaye de Neumünster 10 ans durant pour, désormais (depuis 3 ans), investir la Place d’Armes.

En tout cas, flashback, c’est le 29 octobre 1996 que sont déposés les statuts officiels de la future FLTP (Fédération luxembourgeoise des théâtres professionnels), laquelle naît en 97, avec Philippe Noesen comme président jusqu’en 2001 – se succèdent alors Jhemp Schuster de 2001 à 2008, Serge Tonnar de 2008 à 2012, Christian Kmiotek jusqu’en 2016, puis successivement Carole Lorang, Nicolas Steil, Claude Mangen et enfin Sascha Dahm depuis 2024.

En 1998, les premières discussions de la fédération portent sur le statut des artistes et des intermittents du spectacle, et les premiers dossiers ciblent l’éducation et l’international – c’est comme ça que Le Souper de Jean-Claude Brisville file au festival d’Avignon, où le théâtre du Centaure prend ses quartiers d’été dès 1999.

En 2006, la Fédération, qui opère jusque là avec des bénévoles, se structure avec des salariés (du moins, 1 personne… mi-temps !) et ce qui la taraude alors jusqu’à aujourd’hui, plus que jamais, c’est fonctionner mieux avec un budget inchangé (toujours sous le 1% du budget de l’Etat) – sachant qu’aucune structure ne fonctionne avec la seule vente des billets mais qu’aucune n’est en faillite, ni ne licencie, ni ne gomme quoi que ce soit de sa programmation, rappelant que la culture est un droit humain… qui rapporte davantage que ça ne coûte, de quoi faire pâlir de jalousie les théâtres des pays voisins.

Mais donc, ce qui taraude la fédération, c’est, malgré l’importance de la création et de la liberté artistique qui fait sens au niveau tant personnel que sociétal, c’est de susciter l’intérêt du public pour le spectacle vivant, constatant que 56% de la population n’ont jamais mis les pieds dans un théâtre! Le prix de la place n’explique pas tout, qui, de toutes les façons, reste abordable, même à l’opéra (comparativement à une place au cinéma !), et puis, si problème financier il y a, il existe le Kulturpass. La panacée? Agir sur l’école, sur la motivation des enseignants, voire intégrer une sensibilisation théâtrale dans les activités scolaires. Mais aussi  dynamiser la mécanique théâtrale, la rendre… spectaculaire (?), en tout cas, tendre vers une célébration explosive où la scène et la salle vibrent ensemble pour honorer la vie et le rapport à l’autre… surtout quand tout vacille. Y a plus qu’à….

Pour ce qui est du Focus Spectacle vivant de Kultur | lx, ça se passe du 18 au 20 novembre, soit trois jours consacrés à la découverte de la scène luxembourgeoise du spectacle vivant (théâtre, danse, performance, jeune public et formes non verbale), infos: www.kulturlx.lu 

Dans cette offre touffue, repérez Papusi, aux Rotondes (visuel ci-dessus), la nouvelle création jeune public de la chorégraphe Jill Crovisier qui s’inspire de la riche tradition de la marionnette et du théâtre d’objets en les mêlant à la danse contemporaine, pour proposer une rencontre entre le corps humain et des constructions qui lui ressemblent, soulevant au passage les questions sur la transformation et la diversité. Le spectacle rappelle avec délicatesse que par le simple fait d’exister, chaque chose, chaque être a une valeur unique et une histoire qui mérite d’être racontée.

A partir de 4 ans, 35’, sans paroles, dans la Black Box, le 14/11, à 15.00h et 17.00h, le 15/11 à 11.00h et 15.00h, ainsi que le 17/11 à 15.00h – en fait, Papusi est déjà à l’affiche des Rotondes le 12/11, mais c’est déjà complet, avec liste d’attente ouverte.

Sinon, au choix, 5 spectacles qui parlent en vrac de nuit sous une tente, de crapauds fous, d’asperge, et d’enfant soldat.

En ouverture de la saison GEM de neimënster, dédiée aux pépites théâtres, voici White Gold. En déclarant son amour aux asperges blanches, Larisa Faber rend aussi hommage à celles et ceux qui les récoltent, donc, une invitation à regarder autrement un produit familier et à s’intéresser aux personnes qui contribuent à le faire arriver jusqu’à nous. La pièce rappelle que derrière ce que nous consommons se trouvent des gestes, des histoires et parfois des séparations familiales. Ne boudez votre plaisir les 12, 14, 16 et 18 novembre, chaque fois à 19.30h.

Sinon, au Théâtre du Centaure («Am Dierfgen»), dès ce soir, ce 11/11 (mais c’est complet) et jusqu’au 20 novembre, Ma vie sous les tentes, un texte de Jeff Schinker mis en scène par Jacques Schiltz et incarné par Pitt Simon, qui, eu égard à l’agitation de l’homme qui est un portefeuille pour l’homme, plaide en faveur… de la tente, qui n’est pas une sortie de secours mais un choix délibéré. Et que l’amitié est un acte de résistance, et que le présent peut être  redéfini, reconstruit… comme une tente. Utopie ou pas? A tester les jeudis 12 et 19 novembre & le dimanche 15/11 à 18.30h, ainsi que les 13, 17, 18 et 20/11 à 19.30h. Infos: www.theatrecentaure.lu 

A partir de ce 12 novembre (eh oui, ça se bouscule !), le TOL (Théâtre Ouvert Luxembourg) vous propose Les crapauds fous de Mélody Mourey, une pièce qui célèbre l’intelligence du collectif, la puissance de l’ingéniosité et la nécessité, parfois, de désobéir pour rester humain. Une pièce née d’une histoire vraie, faite d’audace et de solidarité, qui parle d’aujourd’hui en racontant hier, à savoir qu’au cœur de l’Europe des années 1940, alors que la guerre bouleverse les destins, deux médecins polonais mettent au point un stratagème aussi improbable que génial pour sauver des vies. En simulant une épidémie de typhus, ils parviennent à tenir à distance l’occupant nazi et à protéger des centaines de personnes promises au travail forcé ou à la déportation.

Les Crapauds fous, avec Sullivan Da Silva, Joël Delsaut, Victoria Fagot, Stéphane Robles et Emeline Touron, mis en scène par Véronique Fauconnet, un récit haletant à voir sans modération les 12, 13, 14, 19, 20, 21, 25, 26, 27 et 28 novembre à 20.00h, ainsi que le dimanche 22/11 à 17.00h. Réserv.: www.tol.lu

Et enfin, L’enfant soldat née musique, un spectacle puissamment humain écrit par Zarina Khan, philosophe et écrivaine française, notamment nominée pour le Nobel de la paix en 2005 – et qui, au demeurant, assurera une conférence, L’art pour arme - La paix comme drapeau, le 18/11 à 17.00h à l’Université (bâtiment Weicker).

Inspiré en partie de la vie du musicien guinéen Oumar Kouyaté, le texte de Zarina Khan suit Soledad, une jeune femme d'une vingtaine d'années hantée par son passé d'enfant-soldat enrôlée de force à l'adolescence, dotée d'une ouïe exceptionnelle et qui donne à voir ses souvenirs de la guerre en mêlant théâtre, chant, danse et musique – avec notamment Nataša Grujović à l’accordéon. Nancy Nkusi, alias Soledad, livre une performance éblouissante dans ce spectacle qui pose la question du pouvoir libérateur, rédempteur de la musique.

Au TNL (Théâtre National du Luxembourg) les 17 et 19 novembre, à 19.30h – ce, dans le cadre du Festival rainy days organisé du 14 au 22 novembre par la Philharmonie Luxembourg, sous le thème Heat et sous la direction artistique de la compositrice Catherine Kontz. 

Et tout ça en ajoutant que Dans les paroles, j’écoute le silence, création théâtro-chorégraphique inspiré de fragments poétiques d’Anise Koltz, cette immense poétesse luxembourgeoise qui, rebondissant entre cosmos et intimité, dédiait ses poèmes au silence qui se trouve dans chaque fracas, est encore à l’affiche du TNL (Théâtre National du Luxembourg) le 18 novembre, à 14.30h et à 19.30h (ensuite à l’Opderschmelz à Dudelange le 27 avril, à 20.00h).

Conçue par Sophie Langevin, en communion avec la danseuse & chorégraphe Yuko Kominami, adepte du butō (visuel ci-dessus), la pièce mêle poésie parlée et danse dans une approche non narrative qui fait donc du silence une matière à part entière. Spectacle dépouillé, envoûtant, méditatif et hypnotique, servi par des notes (musicales) fragiles qui s’égrènent comme les grains d’un sablier, aussi par un étonnant jeu de clair-obscur, une partition lumineuse qui me fait penser… aux  dessins de William Kentridge !

Pour le coup, impossible de passer sous silence la disparition de l’auteur Jean Sorrente – Jean-Claude Asselborn de son vrai nom – qui a tenu une chronique régulière dans l’hebdomadaire Le Jeudi pendant 18 ans, qui aussi a publié  dans Nos Cahiers, le Luxemburger Wort et le Tageblatt et qui entretenait des liens étroits avec de nombreux artistes de la scène culturelle luxembourgeoise, dont Robert Brandy et Jean-Marie Biwer, avec lesquels il a également commis plusieurs ouvrages.

A ce stade textuel, je vous signale en prime que l’écrivaine Agnès Desarthe sera à neimënster le  mardi 1^er décembre, à 19.00h,  pour partager son amour des mots, ce, à l’initiative de l’IPW (Institut Pierre Werner), précisément invitée dans le cadre du European Authors Day, une initiative de la Commission européenne visant à promouvoir, entre le 11 novembre et le 12 décembre, diverses activités autour de la lecture.

Ouf, cette fois, ça y est, je vous cause de Kaihō, une rétrospective qui rassemble (jusqu’au 14 février 2027) plus de 120 œuvres réalisées par 39 artistes japonaises couvrant la période allant de l'après-guerre au tournant du XXIe siècle.

Et pour cette expo majeure qui met en lumière des figures pionnières issues de plusieurs générations, celles aussi qui ont émergé en Europe, aux USA ou au Brésil au point de remettre en cause les notions figées d’identité nationale, et celles longtemps invisibilisées (exception faite de Yoko Ono et de Yayoi Kusama, avec sa sublime Infinity Room: Fireflies on the Water, une installation dont je vous ai déjà parlé, composée de murs miroirs et de milliers de petites ampoules à l’allure de lucioles flottant dans le cosmos, de quoi vous faire perdre pied), pour cette expo, donc, centrée sur une période de bouleversements sociaux, sur des aspirations démocratiques ouvrant de nouvelles perspectives aux femmes artistes, pour cette expo qui d’abord balaie tous les traumatismes, liés tant à Hiroshima qu’aux exactions inhérentes à l’impérialisme nippon, nous sommes au Mudam.

C’est édifiant, passionnant et… vaste. Impossible de tout dire. Et donc, slalom sélectif autour de quelques pièces maîtresses –- certaines rarement présentées hors du Japon – issues des 9 chapitres structurant le parcours.

Tout commence avec l’oeuvre collaborative de Toshi et Iri Maruki, couple frappé de stupeur atomique au lendemain des massacres post Hiroshima et Nagasaki, qui se trouve dans l’impossibilité de les retranscrire de 45 et à 49 mais qui, en 1950, réalise Hiroshima Panel sur base des témoignages de 9.000 victimes – il s’agit de panneaux jonchés de corps hurlants désarticulés, il y en a 15 total, qui vont beaucoup voyager, et celui qui s’expose au Mudam s’intitule Fire, c’est un original, surtout c’est le chef-d’oeuvre (très graphique) de la série.

Tout à côté, un tableau de Toshi Maruki, le bouleversant Mother and Children, deux personnages endormis dans une tendresse inouïe… mais transportés par les morts.

Plus loin, Yuki Katsura  renverse la tragédie du bateau irradié par les Américains sur l’atoll de Bikini en 1954, par l’humour, avec un Man and Fisch influencé par les comics.

En face, Sky TV, une vidéo placée sur le toit du musée, qui capte en boucle le ciel au-dessus du Mudam mais qui, en fait, réactive l’échappatoire de Yoko Ono, regarder le ciel comme seul moment de répit au milieu des bombardements (années 40), échappatoire qu’elle réutilise une fois arrivée à New York en 1966, et qui marque un tournant conceptuel dans sa pratique: «je peux faire quelque chose avec mon imaginaire».

Avec la génération des années 80, on arrive à une composition de Taeko Tamiyama confrontée aux crimes de guerre des Japonais commis sur des femmes dites de réconfort, des femmes coréennes, en l’occurrence en utilisant une iconographie indonésienne inspirée d’une fête hindoue, le festival Galungan.

On file dans une autre salle, au chapitre «Nouvelle abstraction», rencontre avec les Bells d’Atsuko Tanaka qui, en pleine nuit, voit des couleurs et conçoit une monumentale peinture composée de cercles concentriques évoquant des circuits interconnectés – une peinture industrielle électrisée, sans être électrifiée –, une oeuvre parfaitement sonore…  avec laquelle le spectateur interagit.

Et puis, on croise Tomie Ohtake, née en 1913, débarquée à São Paulo pour y voir son frère… et qui s’y installe, et qui se distingue par une abstraction pure, certes, mais d’une sensualité quasi tactile, sinon textile (visuel ci-dessus: Tomie Ohtake, Intitled, 1978, Courtesy Galeria Nara Roesler et l’estate de l’artiste).

Pour le chapitre «Do It Yourself», dans le couloir entre le grand hall et le Pavillon Leir, j’appelle  Takako Saito qui a intégré le mouvement Fluxus à New York dans les années 60, puis qui trouve sa signature à Düsseldorf où elle collabore avec le public afin d’insérer l’art dans la vie quotidienne – au sol, ses cubes blancs et noirs disposés sur un damier, sont remplis de matières ou d’objets divers qui, une fois agités, produisent des sons différents, et, au centre, une sorte de petit magasin à étagements où des objets banals se prêtent à d’improbables détournements.

Au premier étage, dévolu à la génération des artistes utilisant films et vidéos, il y a non pas Nam June Paik, considéré comme l'un des principaux fondateurs de l'art vidéo, mais son épouse invisibilisée, Shigeko Kubota (1937-2015), et dans ce chapitre aussi focalisé sur la photographie, la performance et l’installation exprimant des positions sur le genre et la féminité, on salue Kazuko Miyamoto qui a intégré la scène féministe de New York et qui, dans Fatatabi, une oeuvre en cordes (1987), s’est réapproprié le kimono et a explosé le stéréotype sexuel. Quant à Chiharu Shiota, artiste plasticienne vivant et travaillant à Berlin depuis 1996, elle suspend une chorégraphie de peaux de chèvres lacérées… pour exorciser les cicatrices de son cancer de l’ovaire.

En passant, on télescope une œuvre magique, Black Poppy de Kazuko Miyamoto dont la relation avec l’artiste américain Sol LeWitt relève de l’affinité artistique majeure, Miyamoto qui repousse les frontières de l’art minimal avec sa construction à l’allure de harpe cosmique, haute de 3 mètres, tendue par des milliers de fils industriels reliés à des milliers de clous (visuel ci-dessus: Kazuko Miyamoto dans Black Poppy, A.I.R. Gallery, New York, 1978. Courtesy Kazuko Miyamoto et EXILE. Photo: ©Tom Flynn).

L’expo se termine par Environmental Consciousness, qui met l’accent sur des artistes s’intéressant à la perception écologique et à l’interdépendance des systèmes vivants. On navigue entre les Moons en céramique de Toshiko Takaezu – 2 lunes dormant dans des hamacs (l’artiste a vécu à Hawaï et ceci explique peut-être cela) – et Niagara Falls, la fontaine multimédia de Shigeko Kubota, qui aurait éprouvé un vertige suicidaire devant les vertigineuses chutes d’eau…

Toujours est-il que dans cette dernière salle, il est question des 4 éléments, lesquels, en confluence, aboutissent au cosmos tel qu’il explose avec Yayoi Kusama dans son Infinity Room…

L’expo Kaihō: Artistes japonaises après 1945 – quibénéficie d’importants prêts provenant d’institutions internationales, de Tokyo, du MoMA (New York) et de la Tate (Londres) – est une occasion unique d’élargir son regard et ses récits.